Victor Sjöström

(Silbodal, 1879 - Estocolmo, 1960) Director de cine sueco. La industria cinematográfica sueca vivió un auténtico momento de esplendor, que se hizo extensible a otros países del entorno nórdico, durante el periodo mudo. A dicho éxito internacional contribuyó poderosamente Victor David Sjöström quien, junto a su amigo Mauritz Stiller, acabó dando el salto a Hollywood y se reveló como uno de los más significativos cineastas de la historia del séptimo arte.

Aunque nacido en Suecia, Victor Sjöström tuvo sin embargo ocasión de vivir los siete primeros años de su infancia en Nueva York. Las disputas familiares y los problemas económicos marcaron esa etapa de enorme infelicidad, que pareció cambiar tras el regreso a Uppsala y su entrada en un grupo de aficionados al teatro. Pronto dio el salto hacia empresas más ambiciosas y, en 1896, alcanzó la culminación de sus objetivos al fundar una compañía teatral propia.



El cine apenas estaba por entonces iniciando sus balbuceos, por lo que durante tres lustros Sjöström fue forjándose una magnífica reputación como intérprete y director escénico, hasta que en 1911 acabó siendo contratado por la productora Svenska Biograf. Dicha entidad, que poseía unos estudios propios en Estocolmo, aspiraba a reclutar para el cine los mejores talentos del ámbito teatral y darles oportunidades como directores e intérpretes. Entre ellos estuvo Sjöström, quien desarrolló una intensa actividad durante la década de los años diez como director de largometrajes (al ritmo absolutamente frenético de un mínimo de tres títulos al año) y como actor de comedias a las órdenes de Mauritz Stiller (juntos rodaron siete películas entre 1912 y 1914).

Su interés por la naturaleza le llevó a reflejar la espectacularidad de los paisajes y los condicionantes climatológicos con la mayor intensidad posible. Lluvia, hielo, viento y nieve quedarán expuestos ante el espectador con toda su violencia y fuerza poderosa, capaz de trastornar psicológicamente a las personas y modificar sus costumbres. En ese sentido, una de las obras cumbres de este período fue La voz de los antepasados/El amanecer del amor (1918), adaptación de la obra literaria de Selma Lagerlöf -que décadas después retomará Bille August en Jerusalén (1995)-, donde Sjöström narró la odisea de un grupo de fanáticos religiosos en busca del Paraíso y que tuvo una excelente secuela en El camino de Dios (1919).

Pero la película que acabó lanzándole a la fama internacional fue La carreta fantasma (1920), una magistral mezcla de elementos sobrenaturales, crítica social y efectos fotográficos especiales. Basada en la novela de Selma Lagerlöf, supo utilizar las sobreimpresiones múltiples para crear un clima épico donde se enlazaban los tormentos emocionales y el universo onírico de los sueños.

 Juicio de Dios/Arcilla mortal (1921), cuyo acabado técnico fue unánimemente alabado por los especialistas, le abrió por su parte de forma definitiva las puertas de Hollywood, adonde se trasladó en 1923 contratado por la Metro Goldwyn Mayer.



Tras modificar su apellido a efectos profesionales por el más accesible de Victor Seastrom, inició su carrera en Estados Unidos con Nombre al culpable (1924). Dirigió nueve largometrajes en apenas seis años de estancia en Hollywood, casi todos ellos muy distintos a lo que había hecho hasta entonces en Suecia. Con todo, hubo al menos dos títulos en los que tuvo ocasión de plasmar su indudable talento para la epopeya histórica: Amor de padre (1925), basada en una novela histórica de Selma Lagerlof e interpretada por la inusual pareja formada por Lon Chaney y Norma Shearer; y La mujer marcada (1926), con Lillian Gish y Lars Hanson, según la obra clásica de Nathaniel Hawthorne La letra escarlata.

Ahora bien, el largometraje que cimentó su prestigio y que todavía en la actualidad se considera una de las obras maestras absolutas del cine fue El viento (1928), de nuevo con Lillian Gish y Lars Hanson. La historia de una muchacha de Kentucky forzada a casarse contra su voluntad y a emigrar hasta un rincón perdido de Texas en donde el viento sopla con enorme violencia le sirvió al director para regresar a su querido universo de personajes que acaban incluso enloqueciendo por el enfrentamiento con la naturaleza.

En 1931, consumada ya la aparición del cine sonoro, Sjöström regresó a Suecia para seguir su trayectoria profesional, pero nada volvería a ser como antes: las dificultades cada vez mayores para encontrar productores solventes le hicieron replantearse su carrera y reanudar una casi olvidada faceta de actor. Gustav Molander, Arne Mattson e Ingmar Bergman le ofrecieron diversas oportunidades de lucimiento interpretativo en películas como Fresas salvajes (1957), al tiempo que la Svensk Filmiindustri le contrató entre 1943 y 1949 para el cargo técnico de director de sus estudios.

Lon Chaney

Lon Chaney (Colorado Springs, 1883 - Los Ángeles, 1930), apodado "El Hombre de las Mil Caras", fue un actor estadounidense durante la era del cine mudo. Considerado uno de los actores más versátiles de los comienzos del cine, es recordado principalmente por sus interpretaciones de personajes torturados, a menudo grotescos y afligidos, y por su habilidad para el maquillaje.  Sus padres, sordomudos, precisaban de los cuidados del futuro actor, sobre todo la madre, que padecía un reumatismo degenerativo. Como la economía familiar era muy precaria, Chaney se vio obligado a trabajar desde joven, si bien su vocación por la escena acabó llevándolo al mundo del teatro. Se unió a una compañía de cómicos ambulantes, en la que desempeñaba los más diversos cometidos, desde bailarín hasta tramoyista.  Su determinación a seguir en esa profesión le llevó más adelante a trabajar en otra compañía, la Columbia Musical Repertory Company, donde conoció a quien sería su primera esposa, Cleve Creighton, una cantante de escasas facultades, que mitigó sus depresiones y sus deseos de suicidarse con el alcohol. Este matrimonio fue un auténtico melodrama que acabó desembocando en el divorcio. Durante el juicio, Chaney logró conservar la custodia de su hijo, el futuro actor Lon Chaney Jr. Más adelante se enamoró de otra mujer, la corista Hazel Hastings, que también arrastraba un pasado tormentoso, pues estaba casada con un hombre violento que sufría una minusvalía en las piernas. Hastings logró la disolución de este matrimonio y, junto a su nuevo esposo, inició una vida menos agitada. Es evidente que toda esta acumulación de circunstancias, desde el aislamiento de sus padres a las dificultades de sus relaciones sentimentales, influyeron en el carácter de Chaney, que siempre sintió una intensa inclinación por los desfavorecidos de la fortuna, los minusválidos y los que sufren a causa del desprecio ajeno. No es extraño, por tanto, que la mayoría de los personajes que luego lo hicieron famoso en el cine estuvieran marcados por esas situaciones, rechazados por la sociedad y casi al borde de la locura por alguna tragedia amorosa o familiar. Chaney consiguió trabajos aislados en la productora Universal, pero fue su destreza con el maquillaje, adquirida en el teatro, lo que llamó la atención de los productores, particularmente de Alan Dwan. Inició entonces una frenética actividad, acumulando papeles en los que había maquillarse de muy diversas maneras. En particular, fue ganando prestigio por su habilidad para simular deformidades, unas veces empleando prótesis, otras dislocando sus articulaciones, al modo de un artista circense.  Uno de sus papeles más conocidos le llegó en 1923, con El jorobado de Nuestra Señora de París, película de Wallace Worsley, en el que se aplicó una incómoda joroba, deformó su cuerpo con correajes y caracterizó su cara con apliques de goma. Aún más elaborado fue el maquillaje que usó en El fantasma de la ópera, dos años después. Por esas fechas conoció a Tod Browning, quien lo dirigió en una de sus películas más conocidas, Garras humanas, donde recurrió a un arnés para dar la apariencia de que carecía de ambos brazos. Precisamente fue Browning quien pensó en él para el papel principal de Drácula. Era el año 1930 y Chaney parecía el intérprete ideal para el vampiro que el actor Bela Lugosi ya hizo famoso en los escenarios de Nueva York, protagonizando la adaptación teatral de la conocida novela de Bram Stoker. El proyecto entusiasmó a Chaney, pero, para su desgracia, nunca llegó a llevarlo a término y fue Lugosi quien lo sustituyó. La causa era un cáncer de laringe que iba minando gravemente su salud. Falleció ese mismo año, rodeado de los suyos. Su hijo, Lon Chaney Jr., trató de suceder a su progenitor en el género de terror, pero apenas consiguió papeles de relevancia. La historia de Lon Chaney fue contada en 1957 en la película El hombre de las mil caras, con James Cagney en el papel de protagonista.

Max Schreck

Max Schreck interpretó al terrorífico conde vampiro Orlok, en el clásico del cine mudo del director F.W. Murnau “Nosferatu: A Symphony of Horror,” estrenado en 1922, la primera versión para la pantalla grande de la novela de Bram Stoker “Dracula”, el vampiro más famoso de todos los tiempos, pero su papel fue tan extraño que varios críticos se preguntaron si realmente lo era, quedando todo en especulaciones y leyendas urbanas.

A diferencia de nombres como los de Bela Lugosi y Christopher Lee, estrellas en otras interpretaciones clásicas de Drácula, Schreck nunca retomó el rol y pasó la mayor parte del resto de su carrera interpretativa en pequeños roles, pero ninguno de terror.


Friedrich Gustav Max Schreck (Berlín, 1879 - Múnich, 20 de febrero de 1936)

Actor de teatro, trabajó en la compañía de Max Reinhardt, muchos de cuyos actores acabarían actuando en el cine. Debutó en la pantalla grande en 1920 con la película muda Der Richter von Zalamea, de Ludwig Berger, basada en la obra de teatro de Calderón de la Barca, El alcalde de Zalamea. En 1922 rodará Nosferatu y en 1923, Die Strasse de Karl Grune. Se sabe que su filmografía es más extensa, pero muchas de las películas en que participó se han perdido.

Estuvo casado con la actriz Fanny Normann. Schreck murió el 20 de febrero de 1936 después de un ataque al corazón.

La supuesta falta de información sobre su vida se une a la leyenda negra surgida alrededor del inquietante personaje que representa en la película, el Conde Orlok, un álter ego del Conde Drácula. El mito dice que el actor realmente era un vampiro, y que el director F.W. Murnau le pagó para que en la escena final de la película mordiera el cuello de la protagonista.

Esta leyenda sirvió de base a la película La sombra del vampiro de E. Elias Merhige (2000), que narra el rodaje de Nosferatu, interpretada por John Malkovich y Willem Dafoe. Dafoe fue nominado al Oscar por Mejor Actor de Reparto por encarnar a Schreck.

Otro rumor sugiere que Schreck (que significa «miedo» en alemán) es en realidad un seudónimo de Alfred Abel, actor de cierto prestigio que actuó, entre otras, en las obras maestras de Fritz Lang El doctor Mabuse, de 1922 y Metropolis, de 1927.

Tales leyendas son, por supuesto, inverosímiles. No es cierto en absoluto que no se disponga de información suficiente sobre la vida de Max Schreck. La monumental biografía de Stefan Eickhoff (Max Schreck. Gespenstertheater, Belleville, 2009) aporta una cantidad ingente de datos sobre la dilatadísima carrera teatral y cinematográfica del actor berlinés.

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